Filmens historia under 1900-talets sista period och början av det 21: a formades delvis av ny teknik och medieutvidgningen kultur att sådan teknik främjade. På 1980-talet öppnade till exempel den utbredda antagandet av videobandspelaren (VCR) nya möjligheter för distribution av filmer som videokassetter, vilket ger större spridning och lättare tillgång till verk gjorda över hela världen. På samma sätt skapade nya kabel- och satellit-tv-system som levererade media direkt till hem ytterligare marknader för filmdistribution och inkomstkällor för filmproducenter. Med tillgängligheten av videokameror av högre kvalitet använde fler filmskapare videoteknik för att sänka produktionskostnaderna och senare överförde bilden till filmmaterial för teaterutställning. Under de följande åren accelererade spridningen och den ökande kapaciteten hos datoranimation samt digitala videokameror och DVD-skivor (digitala videodiskar) dessa trender, med datorn som en ny produktionsenhet inom filmskapande och Internet som en plats för filmdistribution. och utställning. Ett resultat av dessa förändringar var att filmskapare - särskilt kinesisktalande - uppträdde på världsscenen från platser som tidigare varit lite erkända inom den internationella filmkulturen.
Filmskapande hade blivit nästan döende i Kina från mitten av 1960-talet till mitten av 1970-talet under kulturrevolutionen. Under nytt ledarskap i slutet av 1970-talet försökte det regerande kinesiska kommunistpartiet att driva igång ekonomisk utveckling och öppna landet för internationell handel och kommunikation. Några veteranfilmskapare återupptog sin karriär, och en, Xie Jin, gjorde ett kontroversiellt arbete, Furong zhen (1986; Hibiscus Town ), visar skadlig effekter av kommunistiska politiska dogm på en landsbygd. Peking Filmakademi, stängd i mer än ett decennium, öppnade igen 1978 och tog sin första nya klass 1982. Från denna grupp kom flera personer som började göra filmer på 1980-talet och som kollektivt blev kända som Kinas femte generation filmregissörer. (de fyra föregående generationerna hade förknippats med specifika decennier som började på 1910-talet och början av 20-talet).
Den femte generationen förvandlade den kinesiska biografen avsevärt genom att flytta produktionen bort från sina traditionella studioinredning och backlot stående uppsättningar och till avlägsna landsbygdslägen, som filmskaparna i många fall hade lärt känna när de skickades från städerna under kulturrevolutionen för att vara land lärare eller lantarbetare. Chen Kaige Huang tudi (1984; Gul jord ), Da yuebing (1986; The Big Parade ), Haizi wang (1987; Barnens kung ) och Bian zou bian chang (1991; Livet på en sträng ) betonade Kinas vidöppna utrymmen och ljusa landskapsfärger. Liknande impulser, med variationer i stil och tema, formade Zhang Yimous verk ( Hong gaoliang [1987; Röd sorghum ], Ju Dou [1990], Dahong denglong gaogao gua [1991; Lyft den röda lyktan ], Qiu Ju da guansi [1992; Berättelsen om Qiu Ju ]) och Tian Zhuangzhuang ( Lie chang zha sha [1985; På jaktmarken ], sa daoma [1986; Hästtjuv ]).
vietnamkrig varför hände det
När dessa filmskapare och andra fick internationellt erkännande blev deras arbete både mer kommersiellt och mer politiskt och därmed mer kontroversiellt i de kinesiska myndigheternas ögon. Kulturrevolutionen blev ett ämne i Chens Bawang bieji (1993; Farväl min bihustru ), Zhang's Huozhe (1994; Att leva ) och Tian's Lan fenzheng (1993; Den blå draken ), varav den sista orsakade att filmskaparen tillfälligt förbjöds filmarbete. Både Chen och Zhang vände sig till det som kan ha framstått som ett mindre omtvistat historiskt ämne, Shanghai i början av 1900-talet, även om det eventuellt med allegoriskt syfte, i det förra Fengyue (nitton nittiosex; Temptress Moon , 1996) och de senare Yao en yao yao dao waipo qiao (nittonhundranittiofem; Shanghai Triad ).
Chen Kaige Chen Kaige, 2012. Evan Agostini — Invision / AP / Shutterstock.com
Dessa filmskapare fortsatte att utvecklas i nya riktningar under 2000-talet. Chens filmer inkluderade det sentimentala Han ni zai yi qi (2002; Tillsammans ), kampsportens episka Wuji (2005; Löftet ) och biopic Mei lanfang (2008; Forever Enthralled ). Zhaos hej guer (2010; Offra ) baserades på en text från 1200-talet och Sousuo (2012; Fångad på nätet ) var en kommentar till de sociala effekterna av modern teknik. Han gjorde senare kampsport drama Dao shi xia shan (2015; Monk kommer nerför berget ) och fantasin Kukai (2017; Legend of the Demon Cat ), som satt under Tang-dynastin. Zhang vann Golden Lion på Venedigs filmfestival för Yi ge dou bu neng shao (1999; Inte en mindre ), centrerad på en skola i en fattig by, och vann hyllning med romantisk drama Wo de fu qin mu qin (1999; Vägen hem ). Han fortsatte med att regissera den enormt populära kampsportbilden Ying xiong (2002; Hjälte ) och actiondramorna Shi mian mai fu (2004; House of Flying Daggers ) och Man cheng jin dai huang jin jia (2006; Förbannelse av den gyllene blomman ) såväl som den offbeat komiska thrillern San qiang pai an jing qi (2009; En kvinna, en pistol och en nudelbutik ). Hans historiska drama Jin ling shi san chai (2011; Krigets blommor ) sattes under Nanjing-massakern . I Gui lai (2014; Komma hem ) en kvinnas äktenskap förstörs när hennes man fängslas under kulturrevolutionen. Han styrde också det engelskspråkiga Den Kinesiska Muren (2016) och actiondramat Ying (2018; Skugga ). Tian återvände till filmskapningen 2002 med Xiao cheng zhi chun ( Vår i en liten stad ), en remake av en film från 1948. Senare gjorde han biofilmen Wu qingyuan (2006; Go Master ) och det historiska dramat Lang zai ji (2009; Krigare och vargen ).
Under tiden fokuserade yngre regissörer, identifierade som sjätte generationen, som ofta arbetade oberoende av de officiella studiorna på samtida urbana ämnen och skildrade de sociala frågorna som är involverade i den snabba tillväxten i Kinas städer. Filmerna skapade av sådana sjätte generationens regissörer som Ye Lou, Jia Zhangke och Zhang Meng tenderade att vara mer personliga och idiosynkratisk än femte generationens. Ni fick först ett stort internationellt meddelande med Suzhou Ye (2000; Suzhou-floden ), en noirlike kärlekshistoria som spelas i samtida Shanghai. Handlingen av Zi hu dö (2003; Lila fjäril ) äger rum under den japanska ockupationen av Shanghai. Han sprang dock över myndigheter med Yi he yuan (2006; Sommarpalats ), en kärlekshistoria på bakgrund av protesterna vid Himmelska fridens torg 1989. Chun feng chen zui de ye wan (2009; Vårfeber ) skjöts i hemlighet i Nanjing. Ni återvände till officiella goda nådar med Fu cheng mi shi (2012; Mysterium ), Tui na (2014; Blind massage ) och brottdramat Feng zhong du duo Yu Zuo de Yun (2016; Skuggspelet ). En annan anmärkningsvärd figur var Jia, som fick kännedom om underjordiska filmer före sin officiella debut, Shijie (2004; Världen ), om effekterna av globalisering och teknik om traditionell kultur. San xia hao ren (2006; Fortfarande liv ), som ligger i en stad som planeras rivas för Three Gorges Dam , vann Golden Lion på Venedigs filmfestival. Jia var också känd för Tian zhu ding (2013; En touch av synd ), fyra löst förbundna berättelser om människor som väljer våld som svar på svårigheter; Shan he gu ren (2015; Bergen kan avgå ), tre berättelser om en kvinna, som spelas i det förflutna, nutiden och framtiden; och Jiang hu er nu (2018; Ask är renaste vit ), om ett gangsterpar. Zhang debuterade med dramatiken Erduo da du fu (2008; Lyckosam hund ). Hans andra filmer inkluderade Gang de qin (2010; Pianot i en fabrik ), Shengli (2014; Farbror Victory ) och Yang tai shang (2019; På balkongen ).
En annan aspekt av kinesiskt språkig film utvecklades på ön Taiwan, utanför Kinas kust. Taiwans regering kontrollerade filmskapande där under mitten av decennierna av 1900-talet, men i början av 1980-talet undviker publiken lokala filmer till förmån för actionbilder från Hong Kong. En yngre grupp regissörer i Taiwan, som liknade den femte generationen i deras önskan att bryta med gamla traditioner, uppstod under flaggan för New Taiwanese Cinema. I framkant var Hou Hsiao-hsien, som satte upp sina tidiga verk, såsom Tongnian wangshi (1985; Tiden att leva och tiden att dö ) och Lainlian feng chen (1986; Damm i vinden ) på södra Taiwan. Han utvecklade en distinkt stil som betonade långa bilder och långa tagningar, med liten kamerarörelse. När begränsningar av regeringens censur upphävdes i slutet av 1980-talet, lanserade Hou en anmärkningsvärd trilogi om Taiwans historia under den japanska ockupationen från början 1895 till Andra världskriget och överlämnandet av Taiwan 1945 till den kinesiska nationalistiska regeringen: Beiqing chengshi (1989; Stad av sorg ), Hsimeng rensheng (1993; Puppetmaster ) och Haonan haonu (nittonhundranittiofem; Bra män, bra kvinnor ). Hans senare verk inkluderade en överdådig periodstycke i Shanghai från 1800-talet, Hai Shan Hua (1998; Blommor i Shanghai ), hans första film som spelades utanför Taiwan och den hyllade Zui hao de shi guang (2005; Tre gånger ), berättelser om missad kärlek.
En annan ledande skådespelare på den nya taiwanesiska biografen var Edward Yang (Yang Dechang), vars arbete var inriktat på de moderna förändringarna av urban kultur i Taiwans huvudstad Taipei. Guling jie shaonian sharen shijian (1991; En ljusare sommardag ) antog Taiwans politiska historia på ett sätt som liknar Hous trilogi. Yi yi (2000), ett övertygande porträtt av en familj och ett samhälle, hedrades av National Society of Film Critics i USA som årets bästa film som släpptes där. Tsai Ming-liang, en filmskapare som ursprungligen kommer från Malaysia, fortsatte Yangs granskning av samtida urbana moral. om än med mer tonvikt på socialt marginella karaktärer, i filmer som Ching shao nien na cha (1993; Rebellerna från neonguden ), Aiqing wansui (1994; Länge lever kärlek ) och Nei nei pien chi har (2001; Vad är klockan där? ).
Ang Lee's senare taiwanesiska filmer inkluderade Se, jie (2007; Lust, försiktighet ), ett drama som spelades i Shanghai på 1930-talet. En annan anmärkningsvärd regissör på 2000-talet var Wei Te-Sheng, som styrde blockbuster hai-kak chhit-ho (2008; Kap nr 7 ). Hans historiska drama Sai de ke Ba lai (2011; Warriors of the Rainbow: Seediq Bale ) släpptes i två delar. Populära filmer inkluderade Doze Nius gangsterfilm Bang-kah (2010; Som ), Giddens Kos romantik Na xie nian, wo men yi qi zhui de nu hai (2011; Du är min ögonsten ), Chiu Li-Kwans komedi Da wei lu man (2013; David Loman ) och Yu Shan Chens romantiska komedi Wo de shao nu shi dai (2015; Våra tider ). Dessutom vann John Hsu varsel med thrillern Fan xiao (2019; Kvarsittning ).
En tredje kinesiska språkfilmkultur uppstod i Hong Kong. Under 1960-talet blev filmskapare i Hong Kong kända i hela Asien för kampsportfilmer. En av de ledande regissörerna i genre var kung Hu (Hu Jinquan), som blev känd för filmer som Da zui xia (1966; Kom och drick med mig ), som innehöll en kvinnlig krigare. På 1980-talet utvidgades kampsportsstilen till brotts- och gangsterfilmer i verk som Diexue shuang xiong (1989; Mördaren ), regisserad av John Woo (Wu Yusen). På grund av sin kinetiska stil flyttade Woo till Hollywood och blev en stor regissör för actionfilmer på 1990-talet. Hongkongs nya våg under 1980-talet gav också överdådiga historiska melodramer som Yanzhi hou (1987; Röd ) av Stanley Kwan (Guan Jinpang) och sociala problemfilmer som Touben nuhai (1982; Båtmänniskor ) angående flyktingar från Vietnam och det självbiografiska Haktou tsauhan (1990; Exilens sång ), båda av Ann Hui (Xu Anhua).
På 1990-talet tog filmskaparen Wong Kar-Wai internationell hyllning för Hong Kong-stilen med en serie filmer gjorda med den australiska filmfotografen Christopher Doyle. Deras ljusa palett och snabba klippning och kamerarörelser visades i sådana verk som A-Fei zhengzhuan (1990; Days of Being Wild ), Dongxie xidu (1994; Ashes of Time ), Chongquing senlin (1994; Chungking Express ) och Duoluo tianshi (nittonhundranittiofem; Fallna änglar ). Senare mer intim filmer, som spelades utanför Hong Kong eller tidigare, var Chungguang zhaxie (1997; Lyckliga tillsammans ), där ett homosexuellt par från Hong Kong reser till Argentina, och Huayang nianhua (2000; Kärleksfull ), som började på 1960-talet.
Kärleksfull Maggie Cheung och Tony Leung in Fayeung ninwa (2000; Kärleksfull ), regisserad av Wong Kar-Wai. 2000 Block 2 Pictures / Paradis Films / Jet Tone Productions
2002 Mou gaan dou ( Infernal Affairs ), ett brottdrama som regisseras av Andrew Lau och Alan Mak, vann internationell hyllning och skapade två uppföljare (båda 2003); det inspirerade också Martin Scorsese S The Departed (2006). Stephen Chow regisserade och spelade i komedierna Siu lam yuk as (2001; Shaolin fotboll ) och Kung Fu (2004; Kung Fu Hustle ), som stod ut i ett hav av kampsportfilmer. Veteranregissören Johnnie To fick internationell framgång med sina brottfilmer rätt se wui (2005; Val ) och Hak se wui: Yi wo wai ägg (2006: Val 2 ); hans senare filmer ingår San ren xing (2016; Tre ). En av era mest kontroversiella filmer, Sap nin (2015; Tio år ) består av fem dystopiska kortfilmer, var och en av en annan regissör, som föreställer sig Hong Kong 2025.
Den mest överraskande framväxten av en lite känd nationell biograf under slutet av 1900-talet, åtminstone ur ett yttre perspektiv, inträffade i fallet Iran. I efterdyningarna av den iranska revolutionen (1978–79) förstördes cirka 200 biografer i en kampanj mot sekulär media och västerländskt kulturellt inflytande, men religiösa myndigheter beslutade så småningom att film skulle kunna vara värdefullt för utbildningsändamål. Med förbjudna Hollywoodfilmer utvecklade iranska filmskapare en tyst, kontemplativ stil som blandade verklighet och fiktion och ofta involverade barn som berättare och centrum för berättelsen. Abbas Kiarostami, som före revolutionen hade gjort kortfilmer för Institutet för Intellektuell Utveckling av barn och unga vuxna i Iran fick internationellt erkännande som en avatar för denna tydligt iranska stil med filmer som Khaneh-ni gör det från huset? (1987; Var är min väns hus? ), Zendegi va digar hich (1992; Och livet går vidare ), Zir-e darakhtan-e zitun (1994; Genom olivträden ), Ta’m e guilass (1997; Smak av körsbär ) och Dålig mara khahad bourd (1999; Vinden kommer att bära oss ). För Nema-ye Nazdik (1989; Närbild ), personer som var inblandade i en verklig offentlig incident omuppspelade händelserna för Kiarostamis kamera, ytterligare innovation som filmskapare i Iran och på andra håll efterliknade.
Moshen Makhmalbaf gjorde sitt namn som regissör för sådana filmer som Salam Cinema (nittonhundranittiofem), Nunna blir goldoon (nitton nittiosex; Ett ögonblick av oskuld ) och det visuellt fantastiska Gabbeh (1996), och han fungerade också som manusförfattare och producent för andra familjemedlemmar. Samira Makhmalbaf, hans dotter, gjorde en slående debut som regissör vid 17 års ålder med Varandra (1998; Äpplet ), och Marzieh Meshkini, hans fru, gjorde filmen Roozi keh zan shodam (2000; Dagen jag blev kvinna ), henne först. Andra iranska filmskapare vars verk har haft internationell framgång inkluderade Jafar Panahi, med Badkonak-e sefid (nittonhundranittiofem; Den vita ballongen ), Dayereh (2000; Cirkeln ) och Offside (2006) och Majid Majidi, chef för Bachela-Ya station (1997; Barn av himlen ), Rang-e-kod (1999; Himlens färg ), Bid-e majnun (2005; Willow Tree ) och Mohammed Rasulollah (2015; Muhammad: Guds budbärare ).
Den mest framstående iranska filmskaparen som kom fram tidigt på 2000-talet var Asghar Farhadi. Hans filmer ingår Darbāreye Elī (2009; Om Elly ), där en lärare försvinner när han är på semester med en grupp vänner; Jodāi-e Nāder az Simin (2011; En separering ), som berättar historien om ett medelklasspar som står i strid med varandra vars liv förvirras med en religiös arbetarklassfamilj; och Forushande (2016; Försäljaren ), om ett par kämpar efter att frun har utsatts för sexuella övergrepp. Andra anmärkningsvärda regissörer inkluderade Rakhshan Bani-Etemad ( Zir-e post-e shahr [2001; Under the City of the City ] och Ghessi-ha [(2014; Sådan ], sju sammanlänkade vinjetter) och Shahram Mokri ( Mahi va gorbeh [2013; Fish & Cat ] och Jenayat-e bi deghat [(2020; Slarvig brottslighet ]).
I slutet av 1900-talet karaktäriserades Japans sedan länge etablerade filmkultur av individuellt arbete snarare än av dominerande rörelser, som tidigare varit fallet. Som i Frankrike fortsatte filmskapare från den japanska New Wave-eran på 1960-talet att vara aktiva, med Imamura Shohei som Unagi (1997; Ålen ) och Kenzo Sensei (1998; Dr. Akagi ) och Oshima Nagisa-regi Gohatto (1999; Tabu ). En viktig nykomling att filma i slutet av 1980-talet var Kitano Takeshi, en populär tv-figur som började skriva, regissera, redigera och spela huvudroll - ofta som gangster eller polis - i sina filmer, som inkluderade Sonatine (1993), Hana-bi (1997; Fyrverkeri ), Kikujiro (1999), bror (2000) och Zatoichi (2003). Koreeda Hirokazu debuterade som regissör med Maboroshi ingen hikari (nittonhundranittiofem; Maborosi ) och följde med Wandafuru raifu (1998; Efter livet ). Hans senare filmer inkluderade Aruitemo aruitemo (2008; Går fortfarande ), Soshite chichi ni naru (2013, Sådan far sådan son ) och Umimachi dagbok (2015; Vår lilla syster ). Andra filmer som stod ut i början av 2000-talet inkluderade docudrama Jitsuroku Rengo Sekigun: Asama sanso e no michi (2007; United Red Army ), regisserad av Koji Wakamatsu och Ryusuke Hamaguchi Happi väntar (2015; Roliga timmen ).
På 1990-talet kom sydkoreansk film, som länge var begränsad av regeringens censur, till sin rätt och började anses åtminstone vara lika med den för Japan och Hong Kong. Im Kwon-Taek, som regisserade sin första film 1962, betraktas som far till koreansk film. Han började vinna kritiskt beröm på 1980-talet, när han började fokusera på koreansk historia och kultur. Hans Sŏp’yŏnje (1993; Sopyonje ), om en familj av p'ansori (folkopera) sångare, hyllades vid flera asiatiska filmfestivaler och Koreakriget episk T’aebaek sanmaek (1994; Taebaekbergen ) var också anmärkningsvärt. Han tog priset för bästa regissör i Cannes med Chihwaseon (2002; Målad eld ), en biografi av den legendariska målaren Jang Seung-Up. Hans senare filmer inkluderade Cheon nyun hak (2007; Utöver åren ) och Hwajang (2014; Återupplev ).
Mer populärt bland sydkoreanska publik var sådana filmer som Kang Je-Gyus thriller Swiri (1999: Shiri ), om en nordkoreansk spion. Hans Koreakriget berättelse Taegukgi hwinalrimyeo (2004; Tae Guk Gi: Krigets brödraskap ), andra världskrigets episka Mai wei (2011; Min väg ) och romantiken Jang-su Sahng-ho (2015; Hej älskling ) var också anmärkningsvärda. Kang Woo-Suks filmer var lika populära, och de inkluderade Gonggongui jeog (2002; Samhällsfiende ) och dess två uppföljare (2005 och 2008) och Silmido (2003), om en enhet av grovhalsar som Sydkoreas underrättelsetjänst utbildade 1968–71 för att mörda Nordkoreas ledare Kim Il-Sung.
är Irland en del av Storbritannien eller eu
Flera sydkoreanska regissörer fick internationell berömmelse under 2000-talet. Kim Ki-Duk vann utbredd hyllning för bra yeoareum gaeul gyeoul geurigo bra (2003; Vår, sommar, höst, vinter ... och vår ) innan han tog utmärkelsen för bästa regissör på Berlin International Film Festival för Samaria (2004; Samaritansk tjej ) och samma utmärkelse i Venedig för Bin-jip (2004: 3-järn ). Hans Förbarma sig (2012) vann Golden Lion för bästa film i Venedig. Park Chan-Wooks neo-noir-thriller Oldeuboi (2003; Gammal pojke ) fick Grand Prix i Cannes och inspirerade den amerikanska filmskaparen Spike Lee att skapa en 2013-remake. Den kanske mest kända regissören var Bong Joon-Ho . Han vann först varsel för sin skräckfilm Gwoemul (2006; Värden ). Hans engelskspråkiga dystopiska film Snowpiercer (2013) hade en enorm internationell följd. Den otroliga komedi-skräckfilmen Gisaengchung (2019; Parasit ) vann inte bara en Oscar för bästa internationella funktion, blev det också den enda främmande språkfilmen som fick Oscar för bästa bild, och Bong fick utmärkelser för sitt manus och hans regi också.
Copyright © Alla Rättigheter Förbehållna | asayamind.com